Censure

Voilà une petite note pour signaler l'aberrant "trafic" s'étant déroulé au cours de la 33e cérémonie des Césars.

L'événement, luxueux et répondant aux attentes du public, évite tout scandale et pour cause !

L'acteur Matthieu Almaric, récompensé pour son rôle dans Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel) mais malheureusement en tournage durant la soirée, avait fait parvenir un message à lire à Antoine de Caunes. Le dit-message fut effectivement lu, mais pas entièrement. La fin fut censuré car elle défendait les cinémas indépendants, justement en grève ce soir-là !!!

 Il s'agit d'un acte honteux, honteux de profiter de l'absence d'un acteur, étant parvenu à une récompense suprême, pour éviter de choquer la salle (ce qu'espérait sûrement Matthieu Almaric). Honteux d'empêcher sournoisement un acteur de s'exprimer, et ainsi de le considérer juste comme un figurant silencieux recevant avec les louanges habituels son prix, alors qu'il s'agit d'un artiste voulant défendre sa passion, à travers ses discours (ce qui est bien rare dans le cinéma français)

 Mais jusqu'où l'industrie cinématographique peut-elle aller pour garder son aspect endormi et ne donner qu'une image cachant l'arrière plan  véridique ?

 

Ici, vous pouvez accéder au texte en entier de l'acteur, publié sur le site des Cahiers du cinéma. 

Oscars 2008

OSCARS 2008 : nouveau regard critique sur cette manifestation :

Les Oscars, grosso modo, C'EST l'exemple le plus représentatif du kitsch du cinéma amériacin, avec son luxe, ses tenues de gala, ses pléiades de stars, ses sourires exagérés devant les objectifs, etc... Les films récompensés sont généralement équivalents à ceux des Golden Globes, ou se rapprochent des succès du box-office. Evidemment, il y a des exceptions, comme Collision (Paul Haggis), créant la surprise deux ans auparavant.

Cette année, le déjà-culte No Country for old men, plébiscité par des millions de critiques, et violemment encouragé suite à sa sortie décevante de Cannes, [quand je disais que le Festival du Film International, surtout quand il ne prime pas un film favori, suffisait pour assurer la gloire de ce dernier. Ce fut le cas l'an dernier avec We own the night (James Gray – cf critique) et Zodiac (David Fincher)] assurait déjà sa primauté écrasante sur les autres films de la sélection. D'autant plus que les frères Coen n'avaient reçu aucun Oscar jusqu'à présent, alors que leur oeuvre est de qualité. Les 4 récompenses (meilleur film ; réalisateur ; adaptation ; second rôle masculin) prouvent que l'industrie cinématographique américaine accroche un peu mieux à l'humour grinçant et l'univers particulier des frères Coen.

Javier Bardem (No country for old men) est sûrement l'un des premiers rôles antipathique et immoral à recevoir la statuette, tandis que Marion Cotillard (La môme -Olivier Dahan) continue de faire rêver les Français et les Américains. There will be blood (Paul Thomas Anderson), quelques jours avant sa sortie en france, s'assure déjà le succès avec l'Oscar du meilleur acteur pour Daniel Day-Lewis et la meilleure photographie. Regrettons pour cette dernière catégorie l'échec du directeur de la photographie attitré des frères Coen (les paysages enneigés inquiétants de Fargo, c'est lui, de même que la froideur et la beauté de In the valley of Elah (Paul Haggis – cf critique)), Roger Deakins, nominé pour deux films ! Celui des frères Coen et le sublime western d'Andrew Dominik, The assassination of Jesse James...(cf critique), qui lui doit beaucoup. Le magnifique travail esthétique de Roger Deakins, toujours lié à une ambiance particulière symbolisant les relations des personnages me font regretter l'absence de prix jusqu'à présent.

Juno (Jason Reitman) reçoit un bel Oscar amplement mérité, celui du meilleur scénario. Quant à Tilda Swinton, elle crée la surprise avec l'Oscar du meilleur second rôle dans Michael Clayton (Tony Gilroy – cf critique), film au scénario trop faible pour l'interprétation efficace de ses acteurs.

Evidemment, Ratatouille primé signifie l'échec de Persépolis (Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud – cf critique), qui pourtant est en train de connaître le succès aux Etats-Unis. Signalons qu'en plus de La môme, un autre film français est primé cette année dans la catégorie des courts-métrages Le mozart des pick-pockets (Philippe Pollet-Villard).

Certains oubliés raflent les récompenses techniques en guise de consolation ( meilleurs décors pour Sweeney Todd (Tim Burton) ; meilleurs costumes pour Elizabeth : l'âge d'or (Shekhar Kapur) ; meilleur musique pour Reviens-moi (Joe Wright) ; meilleur chanson pour Once (John Carney)), de même que les grosses productions (meilleur son pour The bourne Ultimatum (Paul Greengrass) et meilleurs effets spéciaux pour La boussole d'or (Chris Weitz)).

L'Oscar du meilleur film étranger alla aux Faussaires (Stefan Ruzowitzky), un autre film allemand après La vie des autres (Florian Henckel von Donnersmarck). Cependant, l'acteur décédé de ce dernier ne reçut aucun hommage.

 

Une soirée peu surprenante, récompensant la France avec justesse et ne provoquant aucun scandale.

Au risque de faire un pléonasme, je dirais que les Oscars acceptent l'inévitable.

Césars 2008

33é Cérémonie des Césars :

Avant de publier les résultats, que j'apporte mon lot de critiques sur cette cérémonie qui finit par s'user et n'apporte plus grand chose qu'une statuette peu originale et des présentateurs désenchantés, dans une fausse ambiance de spot télévisuel, de paillettes ne brillant presque plus, d'une attente bien loin de l'excitation et surtout d'une entente avec les goûts du public. C'est à dire, un manque d'audace, une évidence distribuée par les rumeurs et le box-office français.

Si heureusement, cette année, un beau film comme La graine et le mulet (cf critique), empli de vie et de générosité (et beaucoup plus réussi que L'esquive) a été plébiscité, remarquons que les prix distribués sont en parfaite cohérence avec leur succès important (et parfois leur moyens de productions). Encore un exemple flagrant d'une industrie cinématographique devenant télévisuelle, produisant juste pour « faire plaisir » aux spectateurs, sans recherche de style et éviter de choquer par trop de réflexion.

César du meilleur film français : "La Graine et le mulet" d'Abdellatif Kechiche

Evidemment, ce très beau film mérite son prix et s'avère bien empreint d'un univers personnel que s'était déjà tracé progressivement Abdellatif Kechiche avec ses deux précédents films, moins aboutis. Il s'agit d'un prix juste et mérité, mais peut-être trop évident (il subsistait une compétition avec La môme.)

César de la meilleure actrice : Marion Cotillard pour "La Môme"

Que dire ? Sinon que décerner ce César à une autre actrice aurait déclenché un furieux scandale et la côte de popularité des Américains (qui avait déjà primé l'actrice) auarait augmenté en hausse, tandis que le jury français serait boudé. Pourtant, certaines actrices auraient mérité d'être consacrées, par leur interprétation courageuse et ppurtant passée inaperçue (comme Marina Foïs avec Darling de Christine Carrière, par exemple...)

César du meilleur acteur : Mathieu Amalric pour "Le Scaphandre et la papillon"

Aucune surprise

César du meilleur espoir féminin : Hafsia Herzi pour "La graine et le mulet"

Une merveilleuse interprétation donc un prix mérité. Dommage que les jeunes et bluffantes actrices de Naissance des pieuvres (Céline Sciamma) soient passées inaperçues.

César du meilleur espoir masculin : Laurent Stocker pour "Ensemble, c'est tout"

César de la meilleure actrice dans un second rôle : Julie Depardieu pour "Un secret"

Ah là là...Quand un peu d'originalité et d'audace apparaîtront, au lieu de primer quatre fois la même actrice ?

César du meilleur acteur dans le second rôle : Sami Bouajila pour "Les Témoins"

Le film est passé inaperçu, ce qui est bien dommage...André Téchiné est un auteur ayant déjà reçu de nombreux prix pour ses premières réalisations, alors est-ce pour cette raison que ses oeuvres actuelles sont peu récompensées ? Pourtant, il est l'un des rares cinéastes à garder son indépendance et à s'intéresser à des thèmes sensibles (ici l'apparition du Sida et l'homosexualité). Le film s'avère bouleversant, notamment grâce au génial Sami Bouajila, toujours aussi émouvant. Un prix donc justifié mais peut-être décerné en guise de « consolation »...

César du meilleur réalisateur : Abdellatif Kechiche pour "La graine et le mulet".

César d'honneurà Jeanne Moreau

César d'honneurà Roberto Benigni

César du meilleur court-métrage : Philippe Pollet-Villard pour "Le Mozart des pickpockets".

César du meilleur premier film : "Persepolis", de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud.

Immanquable. Le film reçut un tel succès que le César lui revenait de droit...Cependant, les autres premiers films étaient aussi marquants pour leur audace rare...

César de la meilleure musique de film : Alex Beaupain pour "Les Chansons d'Amour", de Christophe Honoré, avec Ludivine Sagnier.

Evidemment, la meilleure musique revient automatiquement à la seule comédie musicale présente dans les nominations...

César du meilleur costume : Marit Allen, qui est décédée en novembre dernier, pour "La Môme".

César du meilleur son : Laurent Zeilig, Pascal Villard, Jean-Paul Hurler pour "La Môme".

César du meilleur décor : Olivier Raoux pour "La Môme".

César de la meilleure adaptation : Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud pour "Persepolis".

César du meilleur film étranger : "La Vie des autres" de Florian Henckel von Donnersmarck.

Certes mérité mais déjà assuré et écrasant les autres, plus récents. Signalons tout de même que le cinéaste rendit un bel hommage à son acteur principal, Ulrich Mühe décédé récemment et malheureusement peu signalé...

César du meilleur film documentaire : "L'avocat de la terreur" de Barbet Schroeder.

En colère contre ce film qui profite en permanence de la noirceur du sujet, avec un faux alarmisme. Seul le montage est réussi, et mis à part un historique du terrorisme et les mystères qui entourent Jacques Vergès, le film n'apporte rien au spectateur.

César du meilleur scénario original : Abdellatif Kechiche pour "La graine et le mulet".

César de la meilleure photo : Tetsuo Nagata, pour "La Môme".

En guise de consolation face aux prix « volés » par La graine et le mulet, La môme se voit attribuer tous les prix techniques, grâce au luxurieux financement auquel le film eut droit...

César du meilleur montage : Juliette Welfin pour « Le scaphandre et la papillon ».

Que reste-t-il des Césars ? Une évidence partagée, des films méritant leur prix mais éclipsant d'autres, beaucoup plus personnels et généralement oubliés durant leur sortie, écrasant par leur favorable « avis du public ». Public, qui, pourtant, au lieu d'être contents, pourraient s'insurger à propos d'un prix scandaleux, afin de prouver les possibilités de réactions et de débats pouvant s'engager dans le milieu culturel. Notons que la consécration de La graine et le mulet a entraîné quelques disputes dans les forums...

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Suite du compte-rendu :

 

SWEENEY TODD

Tim Burton

 

Que penser du nouveau Tim Burton ? Certains adorent, d'autres détestent, la critique dépend de la manière dont le spectateur reçoit la noirceur du nouveau Burton, bien loin de la féerie d'Edward Scissorhands ou de Big fish. En effet, le cinéaste est retourné à son style sombre et glauque, alliant décors et photographie somptueuse d'un noir et blanc « grisâtre » et sang visqueux synthétisé d'un goût affreux. Le film possède un humour bien grinçant, empreint d'ironie sur le côté « sublime » et ludique du film, où tout se finit pourtant dans le désespoir. Le travail des ciseaux d'Edward est ici prolongé par le biais de la gestuelle magnifique des rasoirs de Sweeney autour du cou de ses victimes, s'accaparant à une danse. Cette douceur est brutalement brisée par l'usage qu'il en fait. L'humour piquant est un plaisir, de même que la dérision face au meurtre et l'immoralité (un juge Turpin qui n'est pas sans rappeler Rogue et surtout un barbier italien décadent). L'autre atout de Sweeney Todd est la présence excellente d'Helena Bonham Carter, à la fois repoussante et charmante.

Cependant, le film se rattache trop au scénario (pauvre sur le côté émotionnel) de la comédie musicale, de même que les chansons, notamment l'histoire inutil et digne du pire mélodrame de Johanna (normal : « I steel yoooouuu, Jooohanna » n'est pas sans rappeler le « Maria » de West Side Story (Robert Wise), dont les chansons sont signées du même compositeur). De même, le personnage de Sweeney reste bien pauvre en complexité, agaçant de nostalgie et manquant de cruauté.

Du même réalisateur : Edward Scissorhands

SYRIANA

Stephen Gaghan

 

Une excellente surprise, bien construite et courageuse. Cf critique.

LA MARSEILLAISE (1937)

Jean Renoir

 

Petit film sympathique du maître de La règle du jeu, La Marseillaise, film de commande pour le Front populaire, plaît par sa franchise et ses protagonistes chaleureux. Renoir se penche sur une petite poignée de Marseillais partis pour garnir les rangs de la Révolution, parcelle de l'humanité qui va se hisser progressivement à la place de la royauté. Par son profond respect et sa générosité envers ses personnages, le cinéaste donne la part belle à chacun, ayant leur moment de gloire ou de défaite, sans jamais les caricaturer ou les condamner. Cet aspect léger du massacre de la révolution pourrait être reproché, mais le but de Renoir est de garder la pensée de l'unité par l'universel (sachant que le film sert de propagande au Front populaire). De nombreux personnages restent admirables, comme un roi Louis XVI gourmand et sympathique, s'opposant à une Marie-Antoinette capricieuse et stratégique ; un ouvrier survolté au fort accent marseillais lié d'amitié avec un aristocrate engagé ; des femmes du peuple aux discours très provocants... Sans toutefois amener un chef d'oeuvre, la Marseillaise n' a pas perdu de son charme.

NO COUNTRY FOR OLD MEN

Joel et Ethan Coen

 

Impossible de passer à côté du bijou sombre, terrifiant et angoissant, mais pas dénué d'humour noir, où les frères Coen sont au sommet de leur art. Une photographie superbe (de l'excellent Roger Deakins, qui a également signé les ambiances sépia et les reflets déformés de L'assassinat de Jesse James...(Andrew Dominik – cf critique) et la froideur d'In the valley of Elah (Paul Haggis- cf critique)) sert de cloisonnement aux personnages, les oppressant dans de larges espaces (symbole de l'orage) ou de sobres chambres d'hôtels. La pression s'exerce telle l'arme fatale du tueur (impressionnant Javier Bardem), violente, comparable à un claquement sec et d'une précision sans faille. L'humour, mélange de noirceur et d'absurde, filtre à travers cette violence quasi-sublime (la logique des pièces de monnaie) et les personnages décalés. L'opposition Josh Brolin-Javier Bardem-Tommy Lee Jones rélève d'une complexité psychologique intelligente, grâce à l'ambigüeté de leurs rôles et les interprétations magistrales, où le rapport de force s'effectue cruellement et de manière surprenante.

YI-YI (1999)

Edward Yang

 

Le film du regretté cinéaste, mort durant l'été 2007, est un subtil bijou, à la mise en scène phénoménale (il a d'ailleurs reçu le prix à Cannes) et à l'émotion pudique. S'appuyant sur des thèmes majeurs tels que l'enfance, les premières amours, la famille, la vieillesse, la mort, le film, long de trois heures, esquisse un tableau fragile mais saisissant de la vie et de la difficulté de communiquer. La très grande distance et discrétion présente dans la culture asiatique s'exprime ici par des plans de demi-ensemble, très larges, mais jamais proches du théâtre, et bercés par des lumières très douces. Tel plan aux multiples reflets de la nuit, de la ville et de l'intérieur éclairé, où se mouve un des protagonistes exprime sa délicatesse intérieur. De Yi-Yi, il subsiste une chronique à l'ambiance poétique et égnimatique, portée par la connotation des souvenirs inaltérables. Un chef d'oeuvre.

JUNO

Jason Reitman

 

La nouvelle comédie américaine prometteuse n'est pas l'après Little Miss Sunshine que l'on croyait (heureusement) et peut dérouter par son humour absurde et décalé. Le plus coup de brio de Jason reitman est d'avoir su traiter d'un sujet propre aux comédies bébêtes de teenagers moyens, en le détournant habilement par une présentation édulcolorée de l'Amérique, à la fois plaisante et ahurissante, et de ses protagonistes typiques, se révélant beaucoup plus élaborés et complexes qu'au premier coup d'oeil. Certaines scènes auraient pu se révéler plus sévères, plus piquantes, mais Jason Reitman privilégie les relations entre les personnages, d'une remarquable justesse dûes aux magistrales interprétations. Tout comme s'exclament la jeune fille enceinte, sa copine et sa belle-mère devant l'échographie, Juno est un film « cute » (mignon).

déc-janv 2008 1

PETIT COMPTE-RENDU DE CES DEUX DERNIERS MOIS…

Ayant repéré une impressionnante liste de films intéressants s’annonçant pour ces vacances de février, je préfère dresser de rapides petites critiques, dans l’attente de plus profondes analyses de films à l’affiche (notamment Sweeney Todd (Tim Burton) et No country for old men (les frères Coen), les deux opus incontournables de ce début d’année) ou découverts en DVD (notamment Yi-Yi (Edward Yang) et Syriana (Stephen Gaghan)). Bref, voici ce début de panorama plutôt prometteur de l’année cinématographique 2008.

IT'S A FREE WORLD...

Ken Loach

Les trois petits points sont absolument nécessaires pour le titre de ce film, tandis que de nombreux magazines y apposent systématiquement le point d’exclamation,a lors que le générique de début s’inscrit avec… Si j’insiste un peu trop sur ce point, c’est pour prouver la force de l’ironie que renferme le nouveau film de Ken Loach, sans pour autant être désespéré. Comme tout film « politico-social » propre au cinéaste, It’s a free world… s’intéresse avec franchise dans le milieu du travail, tel le poing gracieux et violent levé de l’actrice principale. Par le biais du personnage de femme forte d’Angie, et de son entourage chaleureux, Ken Loach bâtit son parcours impossible avec un semblant de naïveté et une colère maquillée . Si le film présente brillamment le monde du travail, sans tabou ni manichéisme, et réussit à construire une fiction sensée tout en présentant de profonds problèmes actuels, comme l’immigration (très proche de la situation en France !), Ken Loach a toujours eu un style parfois un peu lourd et dramatique, aux émotions légèrement simplistes.

 

ET AU MILIEU COULE UNE RIVIERE (1995)

Robert Redford

Ce film, adapté d’un roman autobiographique de Norman Mclean sur sa jeunesse, est ce que l’on pourrait qualifier de plus sage et pudique, sans pour autant être trop conventionnel. L’histoire très émouvante, autant dans le livre que dans le film, se base essentiellement sur la famille de Norman, notamment son frère cadet, et la pêche, activité favorite de ce dernier. Le très beau tableau dressé de la pêche, mêlé à l’interprétation impressionnante des acteurs, font de Et au milieu coule une rivière un film magnifique, sans prétention ni ennui, empreint de nostalgie naissante et de joie dissimulée. Durant les séquences de pêche, qui auraient pu être ennuyeuses, Redford réussit à capter le contact frétillant entre le pêcheur et sa prise, et le jeu calme et méticuleux s’établissant entre eux, unis seulement par l’eau surprenante de vie. Les deux acteurs jouant les frères réussissent à empreindre leurs conversations et leurs regards d’une émotion subtile. Craig Sheffer, bloc attachant de sérieux et de maturité, s’oppose au toujours aussi excellent Brad Pitt, survolté et mystérieux.

 

2046 (2004)

Wong Kar-Wai

Film très récent passant au ciné-club, déjà culte, mais déclenchant des polémiques et analyses de toutes sortes depuis sa sortie, je fus néanmoins à moitié convaincue par le travail de l’hong-kongais. Complexe, mais sans être incohérent, futuriste croisé avec une ambiance des années 60, 2046 n’est pas un film à regarder l’esprit détendu. Certes, le travail du scénario et de la composition des plans est remarquable, mais il n’empêche pas un certain cliché et kitsch. Les décors futuristes en particulier, à cause de la recherche de perfection absolue des femmes androïdes, finissent par agacer, tout comme les ralentis, lourds d’insistance inutile. Au fur et à mesure de l’intrigue, les mêmes gestes et plans se répètent inlassablement, le même style s’impose sans subtilité. Heureusement, l’acteur Tony Leung excelle dans son rôle de séducteur romantique face aux actrices trop fardées et « sublimées » (mis à part l’interprétation timide et efficace de Maggie Cheung). De 2046, de nombreux éléments méritent le charme et l’intelligence que les critiques imposaient au film, mais n’empêchent des lourdeurs dans le scénario et la photographie parfois digne du clip publicitaire de Christophe Doyle.

 

MY OWN PRIVATE IDAHO (1991)

Gus Van Sant

Troisième long-métrage du cinéaste, à l’époque toujours aussi tourmenté par l’adolescence qu’aujourd’hui, My own private idaho est souvent considéré comme l’un des chefs d’œuvre de Gus Van Sant, mais pourtant peu analysé. Pourtant, le film est porteur d’une jeunesse disparue et d’une liberté farouche, autant du niveau de la narration que de la complexité des registres, procédés visuels et personnages. Le film aborde de front et sans jugement moral des thèmes sensibles (la prostitution, l'homosexualité), exprimés grâce à l'humour très décalé et l'interprétation très libre et sensible des deux comédiens : Keanu Reeves, bien loin de sa passivité dans Matrix, joue son meilleur rôle, celui du jeune charismatique sûr de lui et s'oppose à l'extraordinaire River Phoenix (dont la mort est toujours déplorée – il s'agit bien du frère de Joaquim Phoenix), personnage aussi fragile et surprenant que sa narcolepsie, genre d' »antihéros » perdu dans sa rêverie. Les tribulations de ces deux protagonistes, au milieu d'une Amérique délurée fait écho au vagabondage de Gerry (cf critique) et le film témoigne de l'esprit complexe et complexé de Gus Van Sant.

 

LA GUERRE SELON CHARLIE WILSON

Mike Nichols

Un film sympathique, malheureusement vu en version française (hé oui, les cinémas pop-corn de provinces existent encore...) et qui mériterait plus d'attention. Le pari est audacieux, la réalisation convenable, les interprétations convaincantes (surtout de la part de Philipp Seymour Hoffmann). Et pourtant le film témoigne d'un cynisme enfoui, beaucoup plus profond que le message appuyé de la fin. Les critiques fusent trop rapidement à travers le jeu des dialogues incessants pour que l'on se permettent de répérer l'intelligence qui s'y cache. Mais une ironie crue du luxe de la politique vaut le coup d'oeil (comme l'excellente séquence avec les secrétaires de Charlie), s'arrêtant à la limite de la caricature et du grotesque.

 

INTO THE WILD

Sean Penn

A tous les fans de l'acteur, à tous les passionnés du film, à tous ceux qui ont craqué pour l'excursion du beau Emile Hirsch, ne lisez pas cette critique. Car, en effet, je suis une des rares à être déçue par le chef d'oeuvre acclamé. Into the Wild doit son succès à cette perfection démontrée de l'indépendance et de la débrouillardise au milieu d'un monde formaté. L'idée s'avère excellente (un peu de respiration parmi tous ces films complexés) si l'image n'était pas traité comme une publicité d'agence de voyage et si le jeune homme n'était pas si idéal. En effet, le petit Emile Hirsch s'avère à la fois costaud, agile, sachant tout faire, compréhensif et d'une extrême gentilesse. Son image d' »héros », exagérée, (et immortalisée par des sourires de publicité de dentifrice) n'explique plus ses motivations et ses critiques. Seuls les souvenirs de famille témoignent d'une forte justesse. Cependant, l'Amérique représentée est caricaturée à souhait (nudistes complétement tarés ; hippies affectueux ; fillette en mal d'amour ; grand-père bourru au grand coeur - tous succombent face au merveilleux Emile Hirsch...) et les effets de caméras, associés à une musique se voulant soif de liberté, en rajoutent au film, éxagérant le message. Quel dommage en effet que de présenter la nature comme un dépliant touristique, frôlant le kitsch et qui manque cruellement de silence. Mieux vaut (re)voir le vagabondage obsédant et inquiétant de Gerry (Gus Van Sant - cf critique), qui a le mérite de nous surprendre.

 

Paris

PARISde Cédric Klapisch :

Ville éclatée

Synopsis : C'est l'histoire d'un Parisien qui est malade et qui se demande s'il va mourir. Son état lui donne un regard neuf et différent sur tous les gens qu'il croise. Le fait d'envisager la mort met soudainement en valeur la vie, la vie des autres et celle de la ville toute entière.

Critique : La très grande mode du cinéma français, par les temps qui courrent, c'est le principe du film choral, ou de la commande de court-métrage autour d'un même thème. Après les derniers films d'Agnès Jaoui et de Claude Lelouch, après Paris je t'aime et Fauteuils d'orchestre (Danièle Thompson), Paris porte la même marque de destins croisés de personnages ordinaires, plaisants et fragiles. C'est peut-être le défaut qui pourrait être reproché à toute cette tendance de favoriser l'identification par le biais des petits tracas de la vie quotidienne, des bourgeois aux classes moyennes, parfois caricaturés.

J'avoue que le titre faisait un peu peur : Paris, ou encore une autosatisfaction de la capitale française. Tout au long du film avons-nous droit à des litanies du genre « Ah, c'est comme ça, Paris », que ce soit du discours pompeux du professeur d'université vieillissant (Fabrice Luchini, convaincant) ou du bavardage de l'affreuse boulangère de quartier (excellente Karin Viard). Mais les proverbes parisiens du film de Cédric Klapisch pourraient s'appliquer à n'importe quelle métropole et il est dommage que le film témoigne d'une telle centralisation des sentiments et des événements.

Néanmoins, le plus beau coup de brio du scénario est le personnage de Pierre, jeune homme malade du coeur qui, tout en sentant sa vie le quitter, s'approprie celle des autres en les observant, les guettant d'un oeil sinistre ou compatissant. Ses rares tentatives d'interventions échoueront, le confortant dans l'idée d'être de plus en plus insignifiant (avec une amie d'école primaire, avec la fille de l'appartement d'en face, avec ses camarades de danse...). Certaines séquences restent très émouvantes (comme celle où il explore ses souvenirs), épaulées par l'interprétation magistrale de Romain Duris, toujours figure de proue d'une jeunesse écorchée vive, mais aussi de Juliette Binoche, étonnante.

Le début du film, mettant en place les intrigues et les caractéristiques des personnages, est évidemment la meilleure partie. Malheureusement, à force de les multiplier et de vouloir absolument les « caser » dans un destin évident, certaines histoires se présentent avec soit trop d 'évidence et d'inutilité, soit avec une importance trop faible. Par exemple, l'une des dernières séquences avec les trois amies bourgeoises parties visiter les Halles est particulièrement agaçante et ennuyeuse, tandis que le récit (plutôt confus) de l'Africain (Kingsley Kum Abang) méritait plus d'honneurs.

L'ensemble ne s'avère pas déplaisant, notamment grâce à un casting de choix, pouvant surprendre quant aux rôles leur étant attribués, parfois efficace, parfois décevant. L'histoire des deux frères qui occupe une place importante, est présentée avec justesse, où la maniaquerie et le souci des conventions du professeur d'université (Fabrice Luchini) s'opposent à la légéreté de ton du futur père (François Cluzet), épaulé par sa femme (Judith el Zein, épatante). Mélanie Laurent peut décevoir, dans un rôle d'étudiante peu fouillé et peu sympathique. Les vendeurs de légumes et poisson s'avèrent plutôt banals et représentent une classe moyenne peu valorisée, ce qui est dommage, mis à part pour les interprétations d'Albert Dupontel mais surtout Julie Ferrier, très convaincante. Il subsiste le petit rôle de l'excellente Sabrina Ouazani, détruisant le cliché de la petite « beure » française, par son naturel et sa maladresse.

De Paris, il reste la déception d'un scénario s'avérant trop évident, encadré par une photographie soignée et une bande originale honorable. La multiplicité des personnages ne trouve son salut que dans l'interprétation du rôle et des scènes auquel chacun a droit. Même si le film possède une rigueur et une justesse de ton dans les scènes sentimentales et que certaines séquences s'avèrent mémorables (comme le poste de guet, la nuit dans le froid, de Pierre), la simplicité de l'exercice déçoit.

 

Syriana

 

Chaînes de l'or noir

SYRIANA(Stephen Gaghan – 2005)

 

 

Synopsis : 

L'héritier du trône d'un émirat arabe, le Prince Nasir, réformiste et progressiste, décide d'accorder les droits de forage de gaz naturel à une compagnie chinoise, au détriment du géant texan Connex Oil.

Connex rachète alors la petite compagnie Killen, une fusion qui attire l'attention du Ministère de la Justice à Washington.

Benett Holiday, ambitieux avocat du cabinet Sloan Whiting, veille au bon déroulement de cette opération douteuse. Bob Barnes, vétéran de la CIA qui se préparait à "pantoufler", se voit proposer une dernière mission : éliminer le prince Nasir. Bryan Woodman, expert en ressources énergétiques, se rend à un gala organisé par le Prince Nasir. Son jeune fils meurt accidentellement lors de cette soirée. Ces événements auront une incidence directe sur la vie d'un jeune ouvrier pakistanais de la Connex.

 

Critique : Malgré un succès mitigé lors de sa sortie en salles, sûrement pour les polémiques qu'il a dû susciter, le film de Stephen Gaghan s'avère très brillant, autant sur le plan politique et économique que sur le plan fictif, mais sans tirer profit d'un quelconque engagement prétentieux.Au lieu de passer la fiction devant la réalité, ou l'inverse, il réussit, selon le principe du film choral, à entrelacer les deux, à évoquer des situations à la fois très émotionnelles et réalistes.

 

 

La complexité des transactions pétrolières, thème sensible du film, ne sont pas ici inaccessibles pour les spectateurs, car les séquences du film (notamment les réunions politiques) sont composées de plans très brefs et très francs. De même pour les scènes dramatiques, l'action se réduit à des prises de vues très courtes, exprimant une émotion très forte, sans pour insister le message ou une quelconque dénonciation. Tel Traffic (Steven Soderbergh, et dont Stephen Gaghan avait signé le scénario), les points de vue et les histoires sont multipliés, différenciés souvent par les classes sociales et la situation des actants (par exemple, du prince arabe aux immigrés licenciés sur le chantier du pétrole), mais étant tous liés par le pétrole, auquel ils se raccrochent, indirectement ou non.

 

 

Ce qu'a voulu le cinéaste, ce qu'expriment clairement les acteurs au cours des interviews, et donc ce que le film réussit, c'est prouver la corruption plus ou moins forte de tous les personnages principaux, inclus dans le système et y ayant chacun leur part de malversité. L'intrigue ne se construit pas : elle est présente du début à la fin et s'esquisse par petites scènes, par petites explications ressassées sous différents points de vue ou souvent contrées.

 

 

Alors que Tony Gilroy, avec Michael Clayton (critique ici), insistait sur un message autour duquel il tournait sans grande originalité, Stephen Gaghan privilégie la multiplicité des mystères, surprenant par des dialogues provocants ou des rebondissements d'une brusque violence. Les crimes effectués en douce, camouflés et jugés inexistants, sont beaucoup plus inattendus que les kamikazes, mais l'horreur est la même.

Certaines séquences sont admirables pour la tournure originales qu'elles prennent. Par exemple, la scène où le personnage de Georges Clooney déjeune à proximité du prince et de sa suite, leur envoyant des coups d'oeil furtifs, prend une tournure effrayante lorsqu'il s'aperçoit que la terrasse se vide tout à coup sans qu'il s'en aperçoive.

Syriana, en plus d'alarmer subtilement par son contexte, s'avère également intéressant sur le plan artistique, s'approchant souvent des prises de vues de Traffic (comme les plans moyens multipliés au cours des réunions) mais captant les émotions et les troubles des personnages avec efficacité.

Le protagoniste joué par Matt Damon est le plus attachant et est celui qui rend l'identification la plus facile. Marié, deux enfants, un travail ordinaire, il se rapproche du spectateur par le biais de la tragédie qu'il doit surmonter ( la mort de son fils aîné). Cependant, il est l'exemple le plus représentatif de l'entrée dans le milieu du pétrole, et l'influence que celui-ci apporte dans sa façon d'évoluer et de vivre. Néanmoins, ce rattachement en cours de construction explique qu'il est le seul à s'en sortir, mais non sans être détruit de l'intérieur. Matt Damon ici surprend et excelle dans sûrement sa meilleure interprétation. Il est loin du médiocre Linus dans la série des Ocean's et prouve qu'il est plus doué pour les rôles dramatiques et complexes que comiques.

 

 

Georges Clooney, peut-être pour la première fois dans sa carrière, joue un rôle antipathique, à la fois bourreau et victime, mais surtout le plus piégé (et ce dès le début) et traqué par le système. L'acteur prouve une fois de plus qu'il est capable de composer un jeu efficace (il s'est laissé une barbe très drue et prendre des kilogs) et parfois risqué ( brève mais dure scène de torture). Il est le personnage le plus malmené, le plus voué à un destin tragique et est très très loin de son image d'homme classe (d'où la déception de nombreux fans). Et pourtant, l'acteur impressionne par un rôle de cet acabit (il a tout de même reçu l'Oscar du meilleur second rôle masculin. Cependant, il aurait été plutôt judicieux de donner l'Oscar du meilleur film plutôt que de récompenser un acteur déjà populaire pour faire plaisir aux producteurs...).

 

 

Jeffrey Wright est toujours aussi excellent, dans sa composition d deuxième rôle le plus sympathique, à savoir celui du petit employé qui se débat pour compromettre les firmes. L'acteur est efficace par sa fragilité face à l'empire, et son optimisme empreinte de désespoir. Le prince, interprété par Alexander Siddig, peut paraître très surprenant dans ces propos. Alors que le personnage avait tout pour être caricaturé, il est ici progfondément humain et proche de notre vision occidentale, tout en gardant une part de mystère sur sa manière d'agir.

 

 

Syriana porte aussi un regard efficace sur la religion musulmane, ou la manipulation exercée sur les disciples pour les envoyer à la mort. Les deux personnages ouvriers, les plus mineurs et innocents, permettent de dépeindre subtilement leur conversion et leur foi ardente, provoqués par leur pauvreté et leur naïveté.

 

 

En conclusion, Syriana est un film fort absolument nécessaire, courageux sans prétention, servi par des acteurs à la fois inconnus et populaires, d'une surprenante efficacité et gardant une portée universelle forte.

 

 

Synopsis et photos : allocine.com

the good german

Restitution d'un article commencé lors de la sortie du film du film de Steven Soderbergh mais n'ayant jamais été publié, pour cause de problèmes techniques...

THE GOOD GERMAN :

ou l'aboutissement d'une oeuvre sublime restant création malgré l'inspiration des films noirs d'époque

 

Un film de Steven Soderbergh. Avec Cate Blanchett, Georges Clooney, Tobey Maguire, Beau Bridges, Tony Curran...

Producteur : Steven Soderbergh, Ben Cosgrove et Gregory Jacobs ; Scénario : Paul Attanasio d'après l'oeuvre de Joseph Kanon. Directeur de la photographie : Steven Soderbergh...

Résumé : En 1945, le correspondant de guerre américain Jake Geismer débarque à Berlin pour couvrir la conférence de Postdam où les Alliés décideront du sort de l'Allemagne vaincue, parleront de l'avenir de l'Europe... et se disputeront âprement les restes du gâteau.
La guerre a souillé, meurtri et ravagé ce que chacun avait de plus de cher. Et l'après-guerre poursuit ce travail de sape, qui affecte aussi bien les vaincus, usés par les privations, la peur et les compromissions, que les vainqueurs, décidés à se "payer sur la bête".
Le chauffeur de Geismer, le caporal Tully, est l'un de ces profiteurs, rompus à toutes les combines, livrant dans chaque secteur de Berlin petits secrets et produits de contrebande. Plus triste, il est devenu l'amant de Lena, une ancienne secrétaire de Jake avec qui il avait une liaison lorsqu'il dirigeait une agence de presse à Berlin.
Ces trois protagonistes vont se faire entraîner dans une enquête sombre et tortueuse, où le profit de l'après-guerre impose son règne et sa terreur...

 

Critique :Représentation chaotique et sombre du Berlin d'après-guerre et hommage intégral aux films noirs américains des années 1950, The Good German est une enquête aux pistes aussi terrifiantes qu'inabouties mais dont la vérité éclate toujours de manière tranchante, témoin d'un monde violent et malade psychologiquement et moralement.Tout y est reconstitué et entremêlé ou presque : des personnages tout aussi mystérieux les uns que les autres, des documents secrets, de conférences, de traques, de tabassage quelque peu censuré, d'amour, d'une musique tonitruante, et de bien d'autres éléments similaires à ceux retrouvés dans les films noirs, sans toutefois plagier le travail antérieur de cinéastes américains tels que Howard Hawks, Michael Curtiz, Otto Preminger ou John Huston...The Good German se distingue par ses nombreuses références et clins d'oeil mais réussit à éviter le déjà-vu plat et ennuyeux.

 

 

Car il s'agit d'une création, autant du point de vue visuel que scénaristique. Steven Soderbergh s'essaye avec brio à des exercices d'expérimentation, décrivant des flash-backs comme des rêves troubles et muets ; utilisant des images d'archives intercalées avec les reconstitutions des studios américains ; points de vue en contre-plongée... De somptueux décors de la ville détruite servent de cadre à cette enquête, sans pour autant rappeler la poésie du surréalisme allemand (Fritz Lang, Robert Wiene...) et de nous plonger dans un conte de fées noirçi de violence et de corruption.

 

 

Si Georges Clooney incarne un personnage desinteressé par l'argent et proche de l'image du justicier intelligent, son rôle passif ne brise en rien la dure réalité de la vérité et on peut le considérer comme égal à nous-mêmes, ignorants et pourtant avides de connaître le secret. Il est un peu le fil conducteur de l'intrigue, celui qui ose, est curieux et se fait souvent agresser.

 

 

Tully, le chauffard dragueur mais pourtant amoureux, est un Tobey Maguire détaché de son image de « Spyderman » et permet d'introduire l'intrigue, tandis qu'il batifole gaiement et cherche de l'argent plus ou moins corrompu. Il va fouiner « un peu trop » dans les affaires des américains, des russes, des allemands et des français, à son malheur. C'est un personnage que l'on sait à l'avance piégé, mais il nous permet de tâtonner à la recherche de ce secret.

 

 

La découverte de son cadavre est une scène mémorable. En réalité, c'est le lieu qui est attirant : une rive d'une rivière, située sous les arbres et à proximité du gouvernement russe, où le cadavre gît, une balle planté dans le crâne. Lorsque Georges Clooney décide de retourner sur les lieux du crime, il marche, une lueur avide de curiosité dans les yeux. Bruit de ses pas, vue en légère contre-plongée où l'on aperçoit la cime des arbres... Un coup de feu jaillit avec surprise et une branche éclate au -dessus de Clooney. L'effet efficace de cette scène est cet éclatement, il nous surprend alors que l'on s'attendait légérement à quelque chose. Habituellement, dans le ce genre cinématographique, soit le pistolet est montré avant de tirer (=suspense), soit c'est d'abord le bruit qui retentit et l'arme ou l'ennemi apparaît. Ici, Soderbergh a combiné le son et l'image de l'impact, de sa violence.

 

Cate Blanchett, quant à elle, incarne étonnament une femme sensuelle à la voix rauque impressionnante. Son rôle dans l'intrigue est un des plus complexes, passant de l'amante à la veuve mystérieuse. L'actrice utilise son jeu « caméléon » avec toujours autant d'efficacité et de modestie.

 

 

Le film de Steven Soderbergh comporte néanmoins des aspects politiques intéressants. Le contexte de l'après-guerre est marqué par la supériorité des vainqueurs opportunistes, profitant de la misère de l'Allemagne, mais dont la corruption subtile reste actuelle et universelle. Soderbergh détourne la chronique historique pour dépeindre la cruauté des hommes et apporter une connotation provocatrice à l'intrigue.

 

 

Si les rebondissements manquent parfois de souffle ou de construction, la superbe photographie et la recherche permanent de procédés visuels étonnants (comme le flash-back de la scène du viol, ou la course-poursuite dans la foule en fête) compensent la faiblesse du scénario pour aboutir à un très beau film, maîtrisé et soigné, que l'on pourrait classer, pour une fois, à mi-chemin entre les « petits » films indépendants du cinéaste (Sexe, mensonges et vidéo ; Full Frontal ; Bubble...) et les block-busters surplombés par diverses stars (série des Ocean's...).

 

photos : allocine.com